Музыка настоящего:
4 новых направления
звуковых экспериментов



Текст: Даниил Бурыгин / Иллюстрация: © Greg Barth
21 июня в Петербурге начался форум «Музыка настоящего», в рамках которого российские и зарубежные музыканты исполняют музыкальные произведения, устраивают лекции и воркшопы. Каждый день форума посвящен одному виду из наиболее актуальных музыкальных практик. T&P рассказали о четырех ключевых музыкальных и художественных направлениях.

Wandelweiser

Международное сообщество композиторов, музыкантов, а также художников, литераторов и теоретиков, образованное в 1992 году. Группа была основана давшим ей название немецким скрипачом Буркхардом Шлотхауэром и голландским флейтистом Антуаном Бегером. Название представляет собой сочетание лексем Wandel (нем. менять) и Weise (нем. мудрый), хотя входящий в группу американский гитарист Майкл Писаро предлагает другую интерпретацию. По его мнению, название идет от слова Wegweiser (нем. дорожный указатель), подразумевая, таким образом, «смену знака». Группа изначально создавалась как оппозиционная по отношению к институциям новой музыки в Европе и США.
Помимо перечисленных музыкантов и композиторов в Wandelweiser входят Йюрг Фрай, Томас Штиглер, Чико Мелло, Кунс Шим, Манфред Вердер, Карло Индерхес, Раду Малфатти, Маркус Кайзер, Ева-Мария Хубен, Крейг Шепард, Андре Меллер, Анастасис Филипакопулос, Карло Индерхес, Манфред Вердер и многие другие.

Wandelweiser — последователи Джона Кейджа, использующие тишину как равноправное наряду со звуками средство, поэтому их произведения часто называют «немой музыкой». Основное отличие Wandelweiser от «экспериментальных» американских и британских композиторов-минималистов в том, что для Wandelweiser тишина — это не концепция, а часть музыки. Главные характеристики музыки Wandelweiser: минимальное количество звуков; расчет на непредсказуемость музыкальной ситуации (структура произведений часто строится скорее по хронометражу, чем по тактовым делениям), зависящей во многом от решений исполнителей в данный уникальный момент; включение немузыкальных средств и полевых записей, отношение к музыке как к саморазворачивающемуся процессу, а не сочиненному композитором автономному произведению.

ЭАИ

Электроакустическая импровизация восходит к экспериментам лондонской импровизационной группы AMM середины шестидесятых годов. Играя поначалу фри-джаз, они быстро ушли в сторону радикально свободной импровизации с использованием электроники. С тех пор европейская импровизационная музыка развивалась на стыке свободной музыкальной импровизации и перформанса с использованием нетрадиционного звукоизвлечения и электронных средств.
Сам термин «ЭАИ» появился в конце девяностых после серии концертов оркестра европейских импровизаторов и основания лейбла Erstwhile Records продюсером Джоном Эбби. Это совпало с революцией в электронной музыке и удешевлением средств ее производства. Собственно, ЭАИ сейчас — это контекст европейской импровизационной музыки XX века плюс импровизация с компьютерными языками кодирования, так называемый live coding. При этом нужно понимать, что основная идея ЭАИ — полная свобода средств и способов извлечения звука, которые могут быть любыми: традиционными и радикальными, акустическими и электронными.

ЭАИ во многом близка Wandelweiser: в ней используются нетрадиционные способы звукоизвлечения, присутствует минимум звуков, музыканты работают с акустическими свойствами пространства. При этом Wandelweiser восходит скорее к экспериментальной академической музыке, в то время как ЭАИ — к свободной импровизации.

Среди важнейших представителей этого направления можно отметить Кита Роу, Джейсона Кана, Норберта Меcланга, Гюнтера Мюллера, Отомо Йошихиде, Сачико М, Кевина Драмма, Джима О'Рурка, Буркхарда Байнса, Таку Сугимото, Тошимару Накамура, Кристофа Курцманна и многих других музыкантов в Европе и США.

Саунд-арт

Сам термин был введен в обиход композитором и куратором Уильямом Хеллерманном, который основал The SoundArt Foundation и устроил выставку Sound/Art в 1983 году. Сам принцип «искусства звука» восходит к началу XX века — к идеям дадаистов и сюрреалистов. Большое влияние на развитие саунд-арта оказали перформансы группы Fluxus. В 1950-60-е годы братья Баше и Жан Тэнгли создавали звучащие арт-объекты, предназначенные для выставок в художественном пространстве. В 1969 году американский композитор Элвин Люсьер представил перформанс I Am Sitting in a Room, во время которого он зачитывал текст и записывал свой голос, сидя в комнате. Затем он проигрывал запись и перезаписывал ее же, пока его голос не тонул в шуме и помехах.
Сегодня саунд-арт — это чрезвычайно широкое и достаточно размытое понятие. Он противопоставляется музыке, у которой обязательно должен быть нарратив, начало и конец. К саунд-арту относятся звуковые инсталляции, звучащие скульптуры, эксперименты с окружающей звуковой средой, концептуальные работы по звуковой экологии, эксперименты в области разработки новых технологий создания звука. Одна из наиболее активно используемых форм — многоканальные инсталляции, окружающие посетителя звукового пространства.

Нойз

Использовать шумы окружающего пространства и генерировать их при помощи подручных средств придумали еще футуристы и дадаисты начала XX века — об этом, например, говорит Луиджи Руссоло в своем манифесте «Искусство шума». Активно включали посторонние звуки в свои произведения и экспериментальные композиторы. Главной идеей авангардного проекта было размывание границы между искусством и жизнью, чему способствовали «найденные объекты», помещаемые в контекст искусства. Шум использовался как найденный звук. С появлением массовой электронной музыки нойзом стали называть разные музыкальные жанры — от индастриала до глитча.

Сегодня с шумом работают саунд-артисты, музыканты-импровизаторы и композиторы, помещая его в определенный контекст. В отличие от звука, с которым работают в ЭАИ, нойз — это скорее «найденный», а не тщательно выстраиваемый звук.

Made on
Tilda